ACRYL-LACK-KUNSTWERKE

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Das Werk ERISTIK ist über einen Zeitraum von neun Monaten

– von Mai 2024 bis Februar 2025 – entstanden und steht exemplarisch

für die intensive Auseinandersetzung mit Struktur,

Spannung und inhaltlicher Tiefe in meiner künstlerischen Arbeit. 

ERISTIK ist mehr als ein Bild.

Es ist ein visuelles Argument, eine künstlerische Reflexion über Streitkultur,

Positionierung und das Spannungsfeld zwischen Konfrontation und Ordnung.

Der Titel leitet sich vom Begriff der „Eristik“ ab

– der Kunst des Streitgesprächs, wie sie bereits von Schopenhauer thematisiert wurde.

Im Bild manifestiert sich dieser Gedanke durch überlagerte Strukturen,

sich kreuzende Linien und ineinander verschachtelte geometrische Räume.

Jede Fläche, jede Farbe ist bewusst gesetzt – als visuelle These oder Antithese.

Die Entstehung dieses Werkes war äußerst aufwendig und erforderte ein hohes Maß an Präzision.

Schicht für Schicht wurde das Bild aufgebaut,

in zahlreichen Zwischenschritten immer wieder hinterfragt, verändert, verdichtet. 

Der Titel „GEODÄTE“ ist mehr als ein technischer Begriff

– er ist eine Metapher für die Suche nach innerer Ordnung in einer oft chaotischen Welt.

So wie Geodäten die Erde vermessen, vermisst dieses Werk symbolisch die seelischen Landschaften eines Menschen.

Linien kreuzen sich, stoßen aneinander, verlaufen parallel oder spitz aufeinander zu.

Die strenge Geometrie wird durch die Lebendigkeit der Farben gebrochen

– ein visuelles Spannungsfeld aus Struktur und Emotion.

Jede Schicht Farbe steht für einen Moment, eine Phase, eine Entscheidung.

Die vielfach aufgetragenen Lacke und Acrylfarben ergeben nicht nur haptische Tiefe,

sondern erzählen von der Zeit, die es braucht, sich selbst zu erfassen.

Jeder Trocknungsprozess spiegelt den inneren Reifungsprozess wider.

Nichts entsteht über Nacht – weder ein Kunstwerk, noch das Verständnis des eigenen Ichs.

„GEODÄTE“ ist Vermessung – aber nicht der Erde, sondern des Selbst.

Mit meinem Werk „Anti-Stringent“ lade ich den Betrachter ein,

sich auf eine visuelle Reise jenseits konventioneller Ordnung und starrem Regelwerk zu begeben.

Über mehrere Monate hinweg entstand dieses 30 x 30 cm große Unikat,

das ich mit einer Vielzahl von Acryllack u. Farben Schicht für Schicht aufgebaut habe.

Die intensive Farbvielfalt, die bewusst gesetzten Linienbrüche

und die scheinbar chaotische Struktur

spiegeln mein inneres Bedürfnis wider, mich von Begrenzungen zu befreien.

Der Titel „Anti-Stringent“ steht programmatisch für einen bewussten Akt des Widerstands

gegen das Strenge, das Reglementierte

– gegen das, was „stringent“ im klassischen Sinne bedeutet.

Stattdessen feiere ich mit diesem Werk kreative Freiheit,

gestalterische Offenheit und den Bruch mit traditionellen Mustern.

Jede Linie, jede Farbe und jedes Element steht für den Mut zur Individualität

und das Vertrauen in den eigenen künstlerischen Impuls.

Das Werk ist nicht nur ein Bild

– es ist ein Manifest für die Kraft der Unabhängigkeit

und ein Plädoyer für die Vielfalt als kreative Stärke. 

Meine Gedanken zum Werk „AUTOPOIESIS“:

Dieses Werk zählt für mich zu den bedeutendsten innerhalb meines Schaffens.

Der Titel „Autopoiesis“

– ein Begriff aus der Systemtheorie und Biologie

– beschreibt die Fähigkeit eines Systems, sich selbst zu erschaffen und in sich selbst zu erhalten.

Genau diesen Gedanken wollte ich mit diesem Bild sichtbar machen.

Ich habe über einen langen Zeitraum an diesem Werk gearbeitet

und zahlreiche Schichten aufgetragen, überlagert,

teilweise wieder geöffnet und neue Strukturen hineingeführt.

Das Bild ist gewachsen – fast wie ein lebendiger Organismus,

den ich nicht vollständig kontrollieren wollte, sondern begleiten musste.

Im Zentrum steht eine Art energetische Achse, ein vertikales Rückgrat aus kontrastreichen Farbflächen,

das für mich das pulsierende Zentrum eines Systems darstellt.

Rundherum entwickelt sich eine dichte Komposition aus linearen Strukturen,

geometrischen Fragmenten und offenen Formen.

Nichts bleibt isoliert

– alles interagiert miteinander, beeinflusst sich gegenseitig.

Die vertikalen Linien erinnern an digitale Codes, an Datenströme

– bewusst als Kontrast zu den intuitiv geführten, fast chaotisch wirkenden Flächen im unteren Bereich.

Es ist mir wichtig,

eine Spannung zwischen Ordnung und Bewegung, zwischen Struktur und Impuls zu schaffen.

Ich sehe das Bild als Spiegel eines Systems,

das sich permanent hinterfragt, weiterentwickelt, transformiert.

Die Entstehung dieses Bildes war kein einfacher, linearer Prozess.

Vielmehr war es ein Dialog mit der Arbeit

– ein ständiges Reagieren auf das, was sich entwickelt hat.

Ich habe mit Materialien, Richtungen und Rhythmen gespielt,

mich intuitiv leiten lassen, aber nie das übergeordnete Prinzip aus den Augen verloren:

die Selbsterschaffung aus sich selbst heraus – Autopoiesis.

Für mich symbolisiert dieses Werk nicht nur ein ästhetisches Bild, sondern ein Denkmodell.

Es stellt die Frage:

Wie entstehen Systeme – im Leben, im Denken, in der Kunst

– und wie erhalten sie sich selbst?

Diese Fragen treiben mich als Künstler immer wieder an.

„BRUJERIA“ – ein Werk voller Spannung, Magie und kontrollierter Ekstase.

Der Titel, entlehnt dem Spanischen Wort für „Hexerei“, ist mehr als nur ein Name

– er ist ein Schlüssel zur Energie, die diesem Bild innewohnt.

In diesem 40 x 120 cm großen Unikat, das von August 2019 bis zum Mai 2020 entstanden ist,

habe ich mit Acryl­lackfarben kraftvolle Formen, gezielte Brüche und intensive Farbkontraste geschaffen.

Die Komposition wirkt wie ein alchemistischer Prozess, in dem das Unbewusste sichtbar wird.

Linien, die sich schneiden, überschneiden oder abrupt enden

– sie erzählen von Transformation, Auflösung und Neuschöpfung.

Für mich ist „BRUJERIA“ ein Ausdruck geistiger Grenzüberschreitung.

Es spielt mit dem Mystischen, dem Unsichtbaren, dem Verborgenen

– aber nicht im klassischen Sinne der Dunkelheit, sondern in einem kraftvoll leuchtenden Spektrum.

Es ist das visuelle Ergebnis eines inneren Rituals:

der Versuch, Emotionen, Kräfte und Energien aus einer anderen Ebene

in eine geometrisch-abstrakte Sprache zu übersetzen.

Das Werk fordert den Betrachter heraus, sich einzulassen

– nicht nur auf das Gesehene, sondern auch auf das, was dahinter liegt.

„BRUJERIA“ ist Einladung und Spiegel zugleich.

„DESKRIPTIV“ – ein Werk, das in seiner Entstehung fast acht Monate gedankliche Klarheit und kreative Intensität forderte.

Für mich steht dieses Bild für den Versuch, die Welt nicht zu bewerten,

sondern sie in ihrer Vielschichtigkeit einfach wahrzunehmen

– zu beobachten, zu beschreiben, zu dokumentieren,

ohne ein Urteil zu fällen.

Der Begriff deskriptiv beschreibt einen neutralen, wertfreien Standpunkt.

Genau das war mein innerer Ausgangspunkt beim Entstehen dieses 80 x 60 cm großen Unikats (Acryl­lack auf Leinwand):

nicht zu interpretieren, sondern das, was aus mir herausströmt, mit Genauigkeit sichtbar zu machen

– wie ein seismografisches Protokoll innerer Bewegungen.

Das Bild entfaltet seine Energie durch dichte Strukturen, geometrische Flächen,

überlagerte Ebenen, rhythmische Farbfelder und symbolhafte Punkte.

Jedes Element ist bewusst gesetzt

– nicht als Urteil oder Botschaft, sondern als Beschreibung eines kreativen Zustands.

Es zeigt, wie Wahrnehmung funktioniert:

vielschichtig, widersprüchlich, mitunter chaotisch

– aber nie falsch.

Für mich bedeutet „DESKRIPTIV“ auch, sich vom Zwang zur Interpretation zu lösen.

Stattdessen steht hier das Erfassen im Vordergrund.

Es geht um das Sichtbarmachen eines Prozesses,

um das Erspüren von innerer und äußerer Realität

– ehrlich, unzensiert, klar.

„PARTITION“ – dieses Werk entstand in einem Prozess, der sich über mehr als neun Monate erstreckte.

In dieser Zeit habe ich mich intensiv mit dem Thema Teilung, Ordnung und Fragmentierung beschäftigt.

Der Begriff „Partition“ stammt aus dem Lateinischen partitio und bedeutet so viel wie Gliederung, Einteilung, Abgrenzung.

Genau diese Idee wollte ich in ein visuelles System übersetzen

– jedoch ohne starre Regeln, sondern mit der Freiheit der Abstraktion.

Das Zentrum des Bildes bildet eine geometrische Struktur,

die an digitale Bauwerke, modulare Systeme oder utopische Architekturen erinnert

– ein konstruktivistischer Körper, der sich in alle Richtungen verzweigt.

Rundherum öffnen sich Flächen in unterschiedlichsten Mustern, Farben und Texturen.

Sie wirken wie visuelle Partitionen, die Räume voneinander abgrenzen

– und gleichzeitig miteinander verbinden.

Für mich war dieses Werk ein Spiel mit der Grenze zwischen Chaos und Ordnung,

zwischen Konstruktion und Dekonstruktion.

„PARTITION“ thematisiert nicht nur die äußere Gliederung,

sondern spiegelt auch den inneren Versuch wider,

Gedanken, Emotionen, Einflüsse und Impulse zu sortieren

– in einem vielschichtigen System, das nie ganz abgeschlossen ist.

Dieses Bild ist ein Ausdruck meiner Suche nach Struktur,

ohne mich in ihr zu verlieren.

„DIVERSITÄT“ ist eines meiner persönlichsten Werke.

In diesem 40 x 120 cm großen Unikat wollte ich das zeigen, was unsere Welt im Innersten ausmacht:

Vielfalt.

Nicht als dekoratives Schlagwort,

sondern als gelebte, gespürte, manchmal auch schmerzlich erfahrbare Realität.

In diesem Werk habe ich ganz bewusst Puzzleteile integriert

– nicht als beiläufige Zitate, sondern als zentrale Symbole.

Jedes einzelne steht für ein Individuum, ein Element, ein Gedankenfragment, das sich

– scheinbar zufällig

– in das große Ganze einfügt.

So wie in unserer Gesellschaft auch:

Kein Teil gleicht dem anderen, und dennoch ergibt sich ein Bild.

Es ist nicht perfekt.

Es ist nicht glatt.

Aber es ist lebendig.

Die vielen Farbflächen, Texturen, Richtungen und Muster sind Ausdruck dieser künstlerischen Diversität:

kulturelle Brüche, harmonische Übergänge, Spannungen und Versöhnungen.

Die gepunkteten Linien wirken wie Wege, Netze, Verbindungen zwischen Welten

– als wollten sie sagen:

Unterschiedlichkeit ist keine Barriere, sondern ein Netzwerk.

Mit „DIVERSITÄT“ versuche ich, ein visuelles Gleichgewicht zu finden zwischen Chaos und Ordnung,

zwischen Detailverliebtheit und dem Blick für das Ganze.

Das Werk soll nicht nur betrachtet werden

– es soll auch irritieren, herausfordern, Fragen stellen:

Wo finde ich mich wieder?

Wo nicht?

Und ist das schlimm?

Für mich war dieses Werk wie das Leben selbst

– voller Entscheidungen, Korrekturen, Überraschungen.

Und am Ende ergibt alles Sinn.

Auf seine eigene Art.

Bei „CHROMATISCH – 1“ habe ich mich ganz bewusst mit dem Wesen von Farbe auseinandergesetzt

– nicht nur als Pigment, sondern als Ausdrucksform, als kompositorisches Element, als Träger von Energie.

Der Titel ist programmatisch: „chromatisch“ steht für Buntheit, Farbvielfalt, Sättigung

– doch für mich bedeutet es auch Struktur durch Kontrast und Richtung durch Farbe.

Ich verstehe Farben in diesem Bild als

Dramaturgie auf der Fläche.

Jede Farbfläche, jede geometrische Form, jede Linie trägt ihren eigenen „Ton“

– fast wie in einer Partitur.

Die intensiven, warmen Orange töne im Hintergrund geben den Grundton vor,

vor dem sich die anderen Farben wie Akteure auf einer Bühne entfalten.

Besonders die kubischen Formen und die prismatischen Farbverläufe sind bewusst gesetzt

– sie stehen in einem Spannungsverhältnis zueinander.

Mich interessierte hier vor allem der Moment, in dem Farbe nicht mehr nur Fläche ist,

sondern Bewegung erzeugt.

Die diagonalen Linien lenken das Auge, sie schneiden durch Räume und verbinden visuelle Aussagen.

Dabei entsteht ein System aus Harmonie und Reibung

– ein Farbraum, der trotz aller Formstrenge lebendig bleibt.

Für mich ist „CHROMATISCH – 1“ eine Art visuelles Klangbild:

Jede Farbe ist Stimme, jede Form eine Phrase

– zusammen ergibt sich ein polyphones Ganzes.

„CHROMATISCH – 2“ ist die bewusste Fortsetzung

und gleichzeitige Weiterentwicklung meines chromatischen Ansatzes.

Im Unterschied zur ersten Arbeit ist hier die Komposition komplexer verschachtelt,

die Farbflächen treffen in spitzen Winkeln aufeinander

– als wollte die Farbe selbst ihre eigene Struktur aufsprengen.

Ich habe mich in diesem Werk verstärkt mit

Farbdynamik in verdichteten Raumgefügen beschäftigt.

Die satten, teilweise schneidend eingesetzten Farben sind nicht harmonisch aufgelöst,

sondern bewusst gegeneinander gesetzt.

Es entsteht eine visuelle Spannung

– wie in einem Theaterstück, bei dem die Figuren in Konfrontation treten.

Dabei bleibt die Bildfläche immer aktiv.

Jede Farbfläche scheint an der nächsten zu ziehen oder zu drücken.

Auch hier geht es mir um eine innere Dramaturgie

– nicht linear erzählt, sondern simultan erfahrbar.

Der Hintergrund in erdigen Kupfer- und Braunnuancen bildet ein stabiles Fundament,

auf dem sich die kräftigen Farben entfalten können.

Diese Komposition ist für mich fast wie ein farbarchitektonisches Experiment:

Wie lassen sich Gegensätze bündeln, ohne das Gleichgewicht zu verlieren?

Wie wird Farbe zum Träger von Bewegung und Konfrontation? 

„CHROMATISCH – 2“ ist kein harmonisches Bild

– und das war auch nie mein Ziel.

Es ist ein Dialog aus Farbenergie, der sich immer wieder neu zusammensetzt

– je nachdem, wer ihn betrachtet.

Das Gemälde „SOFFITTE“ thematisiert auf abstrakte Weise einen Begriff aus der Theaterwelt.

Die Soffitte bezeichnet im Bühnenbild jenen obersten Bereich, der dem Zuschauer gerade noch sichtbar bleibt

– eine hängende Deckenfläche, die oft als Teil des Illusionsraums dient.

Sie verbirgt Technik, Lichtquellen und manchmal das, was sich außerhalb der eigentlichen Szene abspielt.

Diese Idee der verborgenen Tiefe und des „Hinter-den-Kulissen“ wird im Werk visuell aufgegriffen:

Vier klar gegliederte Farbflächen, gearbeitet mit metallisch schimmernden Lacken, strukturieren das Bild in einer Kreuzform.

Die horizontalen und vertikalen Linien lassen die Fläche wie eine Bühnenkonstruktion erscheinen

– was sich dahinter verbirgt, bleibt der Vorstellungskraft überlassen.

Zerriebenes Glas auf einzelnen Partien bringt eine fragile Transparenz und Reflexion ins Spiel,

ähnlich wie der Blick hinter den Vorhang.

Der eigens angefertigte, Holzrahmen bildet dabei nicht nur einen materiellen Abschluss,

sondern auch einen symbolischen:

die Begrenzung dessen, was sichtbar ist

– ganz wie im Theater. 

Als ZENSUR wird in der Psychoanalyse eine seelische Instanz bezeichnet,

die unbewussten Wünschen den Zugang zum Bewusstsein verwehrt.

Diese Wünsche können nur in einer abgewandelten Form das Bewusstsein erreichen.

ENTROPIE (von altgriechisch, en "innerhalb" und trope "Umkehr")  

ist in der Chemie das Maß für die Unordnung

und in der Informatik ist die Entropie das Maß

für den mittleren Informationsgehalt einer Menge von Zeichen.

In der Physik wird der Begriff

für den "Grad der Unumkehrbarkeit eines Vorganges" verwendet.

„VERVE“

ist ein Werk, das mich über mehrere Monate hinweg intensiv begleitet hat.

Im November 2018 habe ich es schließlich vollendet

– nach einer kreativen Reise, die von spontanen Impulsen, innerer Bewegung und viel Feingefühl geprägt war.

Ich wollte mit diesem Bild ein Gefühl ausdrücken, das schwer greifbar, aber für mich ganz zentral ist:

die Leichtigkeit des Seins,

ein inneres

beschwingtes Lebensgefühl,

das mit kreativer Freiheit und positiver Energie verbunden ist.

Die klaren, leuchtenden Farben und die scharfkantigen, dynamischen Formen stehen für genau diese Energie

– sie bewegen sich, sie strahlen, sie leben.

„VERVE“

– gesprochen auf Französisch

– bedeutet für mich mehr als bloßer Schwung:

Es ist Ausdruck von Lebensfreude,

Mut zur Kreativität und ein Aufbruch in ein freies Denken jenseits starrer Strukturen.

Dieses Bild ist ein Unikat in Format 80 x 60 cm

und trägt meine künstlerische Handschrift als

FLoYd. 

Der "DETERMINISMUS" bezeichnet:

Die Auffassung, dass alles im Universum

aufgrund der Naturgesetze vorbestimmt ist.

Die ZEITDILATION (von lat.: dilatare = drehen / aufschieben) bewirkt,

dass alle in inneren Prozesse eines physikalischen Systems

relativ zum Beobachter langsamer ablaufen,

wenn sich das System relativ zum Beobachter bewegt.

SINNGEFÜGE steht für:

Struktur und die richtungsunabhängigen Eigenschaften eines Gefüges

(zumindest ist das meine Interpretation für dieses Bild). 

TRIVIA ist die Bezeichnung für belanglose Informationen oder Wissen,

das nur im weiteren Sinne mit der eigentlichen Thematik zu tun hat und bedeutet etwa,

"wissenswerte Kleinigkeiten", "dies und das", manchmal auch "Kurioses" oder "Kuriositäten".

VARIA bedeutet wörtlich "Verschiedenes".

 In wissenschaftlichen Texten ist es

eine Bezeichnung für vermischte, ergänzende Informationen.

„Dissoziation“ ist ein Mixed-Media-Werk, das über einen Zeitraum von mehr als sechs Jahren hinweg entstand.

In einem langsamen, intuitiven Prozess fügte ich Schicht für Schicht hinzu

– neue Farben, neue Formen, neue Materialien –

bis sich das Bild schließlich selbst als „vollständig“ offenbarte.

Das Kunstwerk symbolisiert den psychischen Zustand der Dissoziation:

Fragmentierung, Auflösung und gleichzeitige Struktur.

Linien durchbrechen die Fläche wie Spannungen im Inneren,

während sich die Drahtfigur zentral durch ein energetisches Kraftfeld bewegt

– ein Sinnbild für den Versuch, trotz innerer Zerrissenheit Halt zu finden.

Die Balance zwischen Ordnung und Chaos zieht sich durch die gesamte Komposition

und spiegelt die Psyche in Momenten innerer Distanz.

„Dissoziation“ ist ein künstlerischer Spiegel seelischer Prozesse.

Es steht für Transformation, innere Vielschichtigkeit und die Macht der Reflexion.

Mein Arbeiten sind nie rein dekorativ

– sie fordern zur Auseinandersetzung mit Emotion, Zeit und Identität auf.

Ein Bezugssystem in der Physik heißt Inertialsystem,

wenn jeder kräftefreie Körper relativ zu diesem Bezugssystem

in Ruhe verharrt oder sich gleichförmig bewegt

CHROMAHEDRON

Ein farbgewordener Bauplan – aus über einem Jahr Arbeit, Hunderten Lackschichten und präziser Geometrie.

„Chromahedron“ von Floyd ist ein abstrakter Farbkörper, der Struktur und Emotion auf energetische Weise vereint.

„ESKAPISTISCH“ ist ein vielschichtiges, geometrisch-abstraktes Gemälde,

das aus über 18 Monaten intensiver Arbeit hervorgegangen ist.

Die zahlreichen, bewusst aufgebauten Lackschichten verleihen dem Werk eine fühlbare Struktur und Tiefe.

Die zentrale Diagonalen Senkrechte wurde mit fluoreszierenden Partikeln hervorgehoben

und erzeugt im richtigen Licht eine besondere visuelle Spannung.

Der Titel „ESKAPISTISCH“ reflektiert das zentrale Thema des Werks:

die Flucht aus der Realität in farbintensive, gedanklich freie Räume.

Als Künstler habe ich diesen Begriff bewusst gewählt,

um den Zustand zwischen Wirklichkeit und innerer Vorstellungskraft zu thematisieren.

Eskapismus wird hier nicht als Schwäche,

sondern als kreative Gegenbewegung zur Reizüberflutung des Alltags verstanden.

”BLAZAR“ – Ein kosmisches Fenster.

Als Künstler (Andreas Alka alias FLoYd) erschaffe ich mit “BLAZAR“ eine visuelle Reise zu den energiereichsten Phänomenen des Universums: Ein »BLAZAR« ist ein super massereiches Schwarzes Loch im Zentrum einer Galaxie, das gebündelte Strahlen (Jets) aus Licht und Materie ins All schießt – ein Symbol für ungebändigte Schöpfung und Zerstörung.  

Das Bild: Auf Holzplatte (24 × 32 cm) mit Acryllack umgesetzt, kombiniert ”BLAZAR“ abstrakte Dynamik mit kosmischer Tiefe. Die Farben – oft gleißendes Blau, violettes Chaos, explosive gelbe Akzente – spiegeln die Kollision von Materie und Energie wider.

Die Intention: ”BLAZAR” ist mehr als Astrophysik – es ist eine Metapher für den Menschen. Wie der Jet eines Blazars streben wir nach Bedeutung, kämpfen mit inneren Kräften und leuchten doch nur kurz im Dunkel des Unendlichen. Das Bild lädt ein, über unsere Winzigkeit und gleichzeitige Verbundenheit mit dem Kosmos nachzudenken – ohne Antworten vorzugeben.  

Ein Unikat (2015 - 2025), das Wissenschaft und Mystik verschmilzt – für Astronomie-Fans genauso wie für Träumer.

INTRINISCH ( lateinisch intrinsecus "inwendig" oder "hineinwärts")

bedeutet ursprünglich "innerlich" oder "nach innen gewendet,

in einer späteren Umdeutung auch "von innen her kommend".

Intrinische Eigenschaften gehören zum Gegenstand selbst

und machen ihn zu dem, was er ist.